C.R.E.T.A. Rome è lieta di invitarti alla mostra “Works in Progress” degli artisti in residenza Soulé Déesse, Mathew McConnell, Mary O’Malley & Chloe Seibert. Gli artisti presenteranno le opere create durante la loro residenza a CRETA Rome. Il vernissage della mostra si terrà in via dei Delfini 17, venerdì il 23 giugno ore 18:30.
C.R.E.T.A. Rome is pleased to invite you to the opening of the exhibition “Works in Progress” of resident artists Soulé Déesse, Mathew McConnell, Mary O’Malley & Chloe Seibert. The artists will present the work created during their residency at CRETA Rome. The opening of the exhibition will be held in via dei Delfini 17, Friday 23 June from 18:30.
SOULÉ DÉESSE
APHROCENE
Quando ero bambina, mia “granmé”, come la chiamavo in creolo haitiano, che era una sacerdotessa vodou, mi ha insegnato a disegnare i simboli magici della religione vodou. È per questo che per me, crescendo, l’arte non è mai stata solo scarabocchio o scarabocchio senza motivo: è sempre stata un modo per dominare il mondo, una forma di magia. Questo progetto è tipico della mia pratica, che considero un esperimento continuo di telecinesi umana, ovvero l’arte di spostare oggetti a distanza con la sola forza della mente. In Aphrocene i visitatori si trovano di fronte a nove sculture che rappresentano divinità della fertilità, modellate in argilla e adornate con capelli afro recuperati, mentre, su piedistalli in primo piano, tre vasi di argilla a forma di testa umana portano i semi di piante autoctone e un’erma intersessuale veglia su tutto questo. Le mie installazioni hanno lo scopo di lanciare un incantesimo sui visitatori e di farli muovere a distanza, liberando i poteri che giacciono dormienti dentro di loro come dentro qualsiasi materiale: di fronte a uno specchio, diventano consapevoli della loro alterità.
BIO
Il mio lavoro riflette e mappa i capricci della mia educazione: Sono cresciuta tra Haiti, Benin e Giamaica, culture postcoloniali divise dalla lingua e dalla tradizione, e ho trascorso quattro anni in un campo profughi a Cuba mentre mi recavo in Francia e negli Stati Uniti. Sono stata cresciuta da nonni del Benin e del Togo, devoti musulmani e praticanti del Vodou. Hanno condiviso i compiti genitoriali con parenti giamaicani, britannici e israeliani. Questa complessa storia e rete familiare ha plasmato profondamente la mia visione del mondo: i miei oggetti e la mia creazione di immagini sono, forse senza sorpresa, segnati dal desiderio di attraversare ed espandere i confini. Per questo progetto, mi sono ispirata al lavoro antropologico sul campo di Zora Neale Hurston e Maya Deren ad Haiti, e all’approccio di Joseph Beuys e Hermann Nitsch allo sciamanesimo e al rituale.
When I was a child, my granmé, as I called my grandmother in Haitian Creole, who was a Vodou priestess, taught me how to draw the magical symbols of the Vodou religion. That is why, to me, as I grew up, art was never just doodling or scrawling for no reason: it was always a way to master the world, a form of magic. This project is typical of my practice, which I see as an ongoing experiment in human telekinesis, or the art of moving objects at a distance with the power of one’s mind only. In Aphrocene the visitors are confronted by nine sculptures representing fertility gods, modeled in clay and adorned with reclaimed afro-hair, while, on pedestals in the foreground, three clay vessels in the shape of human heads carry the seeds of native plants and an intersex herm watches over it all. My installations are meant to cast a spell on the visitors and move them at a distance by releasing the powers that lie dormant within them as within any material: facing a mirror, they become keenly aware of their otherness.
BIO
My work reflects and maps the vagaries of my upbringing: I grew up between Haiti, Benin, and Jamaica, postcolonial cultures divided by language and tradition, and spent four years in a refugee camp in Cuba on my way to France and the US. I was raised by grandparents from Benin and Togo, who were devoted Muslim and Vodou practitioners. They shared parental duties with Jamaican, British, and Israeli relatives. This complex family history and network profoundly shaped my worldview: my object and image-making are, perhaps unsurprisingly, marked by a desire to cross and expand boundaries. For this project, I was inspired by Zora Neale Hurston’s and Maya Deren’s anthropological fieldwork in Haiti, and by Joseph Beuys’s and Hermann Nitsch’s take on shamanism and ritual.
MATHEW MCCONNELL
DIDN’T MISS A THING
Le opere prodotte proseguono la lunga esplorazione di McConnell sui problemi persistenti di invenzione, originalità e influenza creativa nel fare arte. La sua pratica esiste in un circolo vizioso di influenza e risposta, reso possibile dalla connettività della nostra era digitale. Utilizzando il campionamento e la duplicazione come strategie primarie, McConnell lavora direttamente sulle immagini e sul linguaggio di altri artisti contemporanei - selezionando, rubando, allungando e manipolando le fonti - cercando di trarre ispirazione per i suoi processi idiosincratici. Le opere che ne derivano cercano di riconciliare la differenza tra l’arte fatta da qualcun altro e quella genuinamente dell’artista stesso.
BIO
Mathew McConnell (lui/lei, nato nel 1979, USA) ha conseguito un MFA presso l’Università del Colorado, Boulder, e un BFA presso la Valdosta State University. Ha presentato numerose mostre personali, tra cui quelle alla Mindy Solomon Gallery di Miami, in Florida, e alla Jane Hartsook Gallery della Greenwich House Pottery di New York. Le sue opere sono state incluse in oltre 70 mostre collettive a livello nazionale e internazionale. Mathew ha tenuto numerose conferenze ed è stato oggetto di articoli su Ceramics Art and Perception, Ceramics Monthly e New Ceramics. Ha ricevuto un Emerging Artist Award dal National Council on Education in Ceramic Art ed è stato Artist in Residence presso la Archie Bray Foundation, la Greenwich House Pottery e l’Anderson Ranch Arts Center.
The works produced continue McConnell’s long exploration into the persistent problems of invention, originality, and creative influence in art making. His practice exists in an emphatically tight loop of influence and response, enabled by the connectivity of our digital era. Using sampling and duplication as primary strategies, McConnell works directly from the images and language of other contemporary artists—selecting, stealing, stretching, and manipulating sources—wringing them for inspiration for his idiosyncratic processes. The resulting works attempt to reconcile the difference between what is an art of someone else’s making and that which is genuinely of the artist himself.
BIO
Mathew McConnell (he/him, b. 1979, USA) holds an MFA from the University of Colorado, Boulder and a BFA from Valdosta State University. He has presented numerous solo exhibitions including at Mindy Solomon Gallery in Miami, Florida and the Jane Hartsook Gallery at Greenwich House Pottery in New York City. His works have been included in over 70 group exhibitions nationally and internationally. Mathew has lectured widely, and has been subject of feature-length articles in Ceramics Art and Perception, Ceramics Monthly, and New Ceramics. He has received an Emerging Artist Award from the National Council on Education in Ceramic Art, and has been an Artist in Residence at the Archie Bray Foundation, Greenwich House Pottery, and Anderson Ranch Arts Center.
MARY O’MALLEY
WORKS IN PROGRESS
Nel mio lavoro recente, ho approfondito il distacco dell’antico immaginario pagano celtico e dei rituali dal cattolicesimo irlandese. Questa esplorazione è iniziata durante la pandemia, quando io e altri cercavamo conforto nella natura per riempire il vuoto lasciato dall’assenza di pratiche religiose tradizionali.
Le opere d’arte che ho creato durante il mio soggiorno al C.R.E.T.A. sono direttamente influenzate da una serie di sogni vividi che ho fatto nell’ultimo anno. Questi sogni presentavano vari incontri con serpenti velenosi: una pelle di serpente fresca che mi cadeva sulla mano a una festa, un grosso Copperhead nascosto sotto un edificio fatiscente in cui io e i miei amici d’infanzia stavamo per entrare, un duello mortale tra un Copperhead e un Cobra a una riunione di famiglia, con il risultato di un groviglio mummificato, un serpente grassoccio che rotolava lungo un vialetto, mancando di poco me e mia sorella mentre entravamo in un mercatino, e un serpente a sonagli che inseguiva e infine mordeva me e mio cugino dopo la cena del Ringraziamento. Con la guida del mio terapeuta, ho capito che questi serpenti simboleggiavano la mia ansia legata alla COVID, in quanto ho gradualmente alleggerito i miei protocolli e ho iniziato a partecipare alle riunioni senza maschere dopo essere stata iper-vigilante per tutto il periodo della pandemia.
Nel febbraio 2021 ho ricevuto la mia prima vaccinazione dal personale medico dell’università in cui lavoravo. Durante la vaccinazione, ho notato un vaso di Meissen del XIX secolo con il manico di serpente in un’alcova davanti a me. Questo ricordo è riaffiorato durante il periodo trascorso al C.R.E.T.A., fungendo da catalizzatore per esplorare alcune immagini dei miei sogni.
BIO
Mary O’Malley è scultrice, ceramista ed educatrice. Ha conseguito un BFA presso la University of the Arts di Philadelphia e un MFA presso il Royal College of Art di Londra, in Inghilterra, e attualmente è professore assistente di scultura presso la Mercer University di Macon, GA.
La pratica artistica di Mary ruota attorno alla ceramica, sfruttandone le proprietà archeologiche e antropologiche per creare oggetti e installazioni. Il suo lavoro analizza l’interazione tra passato e presente, esaminando le narrazioni culturali e i contesti storici. Attraverso le sue creazioni, Mary riflette le proprie esperienze di vita insieme a questioni contemporanee in ambito sociale, economico, politico e di cultura pop, intrecciandole con le rispettive storie.
In my recent work, I have delved into the disentanglement of ancient Celtic pagan imagery and rituals from Irish Catholicism. This exploration began during the pandemic, when myself and others sought solace in nature to fill the void left by the absence of traditional religious practices.
The artwork I have created during my time at C.R.E.T.A. is directly influenced by a series of vivid dreams I experienced over the past year. These dreams featured various encounters with poisonous snakes: a fresh snakeskin falling on my hand at a party, a large Copperhead hidden beneath a dilapidated building where my childhood friends and I were about to enter, a deadly duel between a Copperhead and a Cobra at a family gathering, resulting in a mummified entanglement, a plump snake rolling down a driveway, narrowly missing my sister and me as we entered a yard sale, and a rattlesnake chasing and ultimately biting my cousin and me after Thanksgiving dinner. With the guidance of my therapist, I realized that these snakes symbolized my anxiety related to COVID, as I gradually eased my protocols and began attending gatherings without masks after being hyper-vigilant throughout the pandemic period.
In February 2021, I received my first vaccination from the medical staff at the university where I was employed. While being vaccinated, I noticed a 19th century Meissen snake-handled vase in an alcove before me. This memory resurfaced during my time at C.R.E.T.A., serving as a catalyst for exploring some of the imagery from my dreams.
BIO
Mary O’Malley is a sculptor, ceramicist, and educator. She holds a BFA from the University of the Arts in Philadelphia and an MFA from the Royal College of Art in London, England, and currently serves as Assistant Professor of Sculpture at Mercer University in Macon, GA.
Mary’s artistic practice revolves around ceramics, harnessing its archaeological and anthropological properties to create objects and installations. Her work delves into the interplay between past and present, examining cultural narratives and historical contexts. Through her creations, Mary reflects her own life experiences alongside contemporary issues in social, economic, political, and pop culture realms, intertwining them with their respective histories.
CHLOE SEIBERT
CATSUIT WORK IN PROGRESS
Le sculture in ceramica di Chloe Seibert affrontano le intersezioni tra fetish, fandom e armature medievali. Come possiamo prendere il controllo e scegliere i nostri avatar per muoverci al meglio in questo mondo aggressivo? Come può la fantasia stessa diventare un’arma di protezione?
Verrà presentato un lavoro in corso.
Combinando elementi autobiografici con la fantasia, il lavoro di Seibert esplora il timore esistenziale, il desiderio, la performance sociale e l’insurrezione. La pratica dell’artista comprende scultura e installazioni immersive, oltre a pittura e disegno.
BIO
Chloe Seibert (nata nel 1989 a New York) vive e lavora a New York. Tra le mostre recenti si ricordano ASHES/ASHES (New York, USA), Chris Andrews Gallery (Montréal, QC) e No Place Gallery (Columbus, USA).
Chloe Seibert’s ceramic sculptures address the intersections of fetish, fandom, and medieval armor. How do we seize agency and choose our avatars to best move through this aggressive world? How can fantasy itself become a weapon of protection?
Work in progress is being presented.
Combining autobiographical elements with fantasy, Seibert’s work explores existential dread, desire, societal performance and insurgency. The artist’s practice encompasses sculpture and immersive installation, as well as painting and drawing.
BIO
Chloe Seibert (b. 1989, New York) lives and works in New York. Recent exhibitions include ASHES/ASHES (New York, USA), Chris Andrews Gallery (Montréal, QC), and No Place Gallery (Columbus, USA).
c.r.e.t.a. rome
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